Los 90 | ¿La última década prodigiosa?

Pues sí, camaradas madafackas, la juventud ya es un lejano recuerdo para muchos de nosotros y se empiezan a citar obras cumbres de hace 25 años o más… y como la popular web del déspota galego siempre está atenta a lo que se cuece en el mundillo musical (Rosalía y el reggaeton no cuentan) un humilde servidor recordará los discazos que reventaron los 90 y que de alguna manera crearon nuevos estilos que cambiaron la industria y atrajeron a millones de fans ávidos de novedades. más allá de la cultura de tecno-pop y heavie standard que triunfaban en los 80…

Abróchese los cinturones que nos adentramos en las vísceras de la grandiosa, efervescente y seguramente última gran etapa de la música ROCK con mayúsculas!! Queridos madafackas, bienvenidos al Grunge, Brit Pop, Funk Metal o el Rock industrial… los excelsos 90, shit!!

NIRVANA – NEVERMIND 

El segundo álbum de la banda desencadena la gran revolución musical en 1991, pone a la fría Seattle en el mapa mundial y hace que toda la industria se interese por un movimiento al que denominan Grunge (sucio) por los atuendos de leñador propios de la zona que llevaban los grupos y el sonido descarnado y guitarrero de las composiciones. Cobain, Grohl y Novoselic crearon el Santo Grial del sonido Seattle con  maravillosas letras sombrías donde el ya atormentado Kurt se movía espléndidamente, encanjando inmediatamente con miles de fans que veían reflejados sus sinsabores en cortes magistrales como la icónica Smells like teen spirit, Come as you are, Lithium o la preciosa Polly entre otros temas de un trabajo fresco y cargado de vigorosa rabia.

En poco tiempo desbancaron del número 1 al mítico Michael Jackson y evidenciaron el cambio de guardia en los gustos musicales de la recién estrenada época, apartando a las bandas metaleras de sonido más clásico y al tecno-pop dominador de los 80 de la élite de las listas. El bombazo de Nevermind abrió el camino para el rock alternativo y a la vez supuso el inicio del fin para un alma enfermiza,angustiada y contradictoria como la de Kurt, que tras largos años de lucha contra sus demonios y adicciones acabó suicidándose en 1994 a los 27 años, pasando a formar parte del ya inmortal Club de los 27 junto a Jim Morrison, Janis Joplin y Jimi Hendrix entre otros grandes.

 

PEARL JAM – TEN

Tras la muerte por sobredosis de Andy Wood, líder de Mother Love Bone y primer mártir del incipiente sonido creado en Seattle, Stone Gossard y Jeff Ament deciden clausurar la banda y buscan cantante para una nueva banda, apareciendo por recomendación del antiguo batería de Red Hot Chili Peppers Jack Irons un alocado surfer de San Diego que les impresiona durante la primera audición por su poderosa y excelsa voz… Su nombre es Eddie Vedder y junto a Matt Chamberlain y Mike McCready formarían una de las mejores bandas de las últimas décadas, con un estilo propio más cercano a las raíces americanas de Neil Young o Led Zeppelin,alejados de la mayor distorsión sonora de Nirvana.

Obviamente el tirón de Nevermind abrió el camino y poco a poco los maravillosos surcos de Alive, la triste y verídica Jeremy (debido al mobbing que le hacían en clase y el poco afecto de sus padres un chico se suicidó en el colegio delante de sus compañeros), Even Flow y la bellísima historia de desamor de Black fueron calando en los charts americanos hasta colocar a Ten en el número 2 un año después de su lanzamiento. La fiereza en el escenario del gran Eddie, sus caras de rabia y las brutales imágenes del frontman colgado de los andamios del escenario antes de lanzarse al público desde alturas de 15 metros ya forman parte de los momentos clave de los 90, amén de su espléndida voz y de la majestuosidad del sonido de una banda que ya está por derecho propio en el Olimpo del Rock con letras de oro.

 

SOUNDGARDEN – BADMOTORFINGER

Aunque el éxito masivo se produjo en 1994 con el histórico Superunknown, 1991 también resulta para la banda decisivo por el rebufo de Nevermind y la locura de las compañías por descubrir nuevos talentos en el universo Seattle. Considerados como la Santísima Trinidad del Grunge junto a Nirvana y Pearl Jam (sin olvidar a Alice in Chains) certifican en este colosal disco que sus influencias son más cercanas al rock duro de Black Sabbath con sus pasajes hipnóticos y más cercanos al metal como la excelsa combinación de sección rítmica en Jesus Christ Posse o las inmortales Outshined y Rusty Cage (versioneada años después por el grandioso Johnny Cash).

Gracias a la atención de la MTV el grunge dejó de ser un movimiento underground para ser centro de atención de millones de personas en todo el mundo, pasando Soundgarden a ser pieza codiciada como teloneros de grandes grupos como Guns N´Roses o Faith No More, además del empujón popular que supuso un festival clave en el bombazo de la llamada música alternativa, Lollapaloooza, creado por el peculiar líder de Jane´s Addiction, Perry Farrell. La aparición en 1994 de Superuknown fue determinante en la eclosión definitiva de la banda, confirmando su tremenda calidad que iba más allá de ser flor de un día como suele pasar con determinadas modas o grupos de un solo disco o hits comerciales.

Los trallazos de Black hole sun, Spoonman y Fell on black days terminaron de encumbrar a Soundgarden entre los más grandes, además del reconocimiento popular de Chris Cornell como una de las mejores voces del Rock, hasta que en mayo del 2017 nos dejó un poco más solos al suicidarse en su camerino al terminar un concierto, pasando a ser ya una leyenda inmortal para los amantes de su excelsa música.

RHCP – BLOOD SUGAR SEX MAGIK

El quinto álbum de Red Hot Chili Peppers vio la luz en el exuberante 1991, producido por el gurú Rick Rubin y mucho más rico y complejo en su sonido que los trabajos anteriores. A pesar de tener una cierta popularidad en los ambientes underground Blood Sugar Sex Magik supone el paso definitivo de los californianos a la popularidad global y la aclamación por parte de la siempre exigente crítica musical, además de ser indiscutiblemente la obra cumbre de la banda en su larga y exitosa carrera. La expectación con el grupo fue en aumento y creció exponencialmente en términos de ventas, llegando a ser multiplatino el álbum varias veces, además de poner en el foco de la popularidad al irreverente Anthony Kiedis como cantante e imagen del grupo y al singular Flea, bajista y pieza esencial en el éxito del grupo junto al virtuoso guitarrista John Frusciante.

Con un marcado tono sexual y con referencias a su pasado autodestructivo, las letras de Give it away, Suck my kiss y Blood sugar sex magik pronto fueron ampliamente coreadas por una legión de nuevos fans, además del brutal relato de los peores momentos de la adicción a las drogas de Kiedis que es Under the bridge, obra maestra donde el cantante se desangra al contar su etapa viviendo debajo de un puente durante su infierno, aunque este dato nunca ha sido confirmado por él mismo. Como anécdota lapidaria sirve recordar que ante la muerte de su amigo y bajista  Hillel Slovak en 1988 por sobredosis Kiedis no asistió al entierro por considerarse parte de la tragedia y emigró durante una temporada a México para limpiarse y salvar su vida…

La crítica musical, siempre ávida de etiquetar los nuevos estilos, catalogó la música como funk metal debido a su collage de ritmos rap, funkies y con demoledores trallazos guitarreros, cohabitando en ese estilo con los brutales Faith No More, Fisbhone o Living Colour entre otros.

 

REM – OUT OF TIME

A finales de los 80 REM eran vistos como la aristocracia del rock alternativo por su talento e integridad musical, rechazando cualquier concesión a la galería para conseguir el gran contrato y la fama. En lo que todos los fans y periodistas del mundillo estaban de acuerdo era que necesitaban un hit que le abriera nuevas puertas sin renunciar a su honestidad, cosa que consiguieron con creces con el himno Losing my religion, frase que se emplea en el sur de los States para citar frustración o enfado y cuya sublime letra habla del dolor ante un amor no correspondido.

El lanzamiento del disco en 1991 (como no) supuso un bombazo en el mundo alternativo y la confirmación de que grupos talentosos y sin publicidad podían ser rentables sin perder su honestidad ni venderse a la industria, solamente con un mayor cuidado en su producción y colaboraciones top como los B-52 en la alegre y efectiva Shine Happy People.

Gracias sobretodo a sus dos maravillosos singles el disco hizo que REM pasara de ser un grupo de culto a tener un increíble reconocimiento mundial, ganando tres premios Grammy y siendo reconocido en 1992 como mejor álbum alternativo, además de múltiples elogios a Losing my religion.

Michael Stipe estaba ya considerado como uno de los cantantes más valorados y para demostrar que nada había cambiado en ellos facturaron en 1992 Automatic for the people, trabajo casi acústico y con toques country que llegó a vender 18 millones de copias en todo el mundo.

 

RATM – RAGE AGAINST THE MACHINE

A finales de 1992 se produce el brutal debut musical de un grupo que mezcla de forma imperial el hip hop, rock y retazos de metal de ideología izquierdista y con claras connotaciones chicanas.

Rage against the machine da el pistoletazo de salida a un estilo marcado por la rabia y claramente contestatario con las políticas liberales de la época, abanderados por un demoledor Zach de la Rocha al micro y los sublimes delirios de wah-wah de Tom Morello, maestro en ese innovador estilo de tocar las seis cuerdas. Con el musculoso puñetazo al esófago que es Killing in the name entraron de forma arrolladora en las listas de medio mundo, además de aumentar nuestra conocida leyenda de inventarnos las canciones en inglés berreando en los bares y discos que sonaba el tema que me chupes la p…. o que me pica la tocha durante su popular estribillo, cosas del humor typical spanish. Take the power back y Bullet in the head también influyeron sobremanera para el éxito del disco y que fuera número uno en la prestigiosa lista Billboard, además de ser fuente permanente de polémicas entre otros sucesos por estar 14 minutos tocando desnudos durante un concierto en protesta por la reaccionaria censura de las asociaciones americanas más conservadoras.

Años después De La Rocha y la banda separan sus caminos, formando el resto del grupo junto a Chris Cornell la brillante rareza llamada Audioslave antes de volver de nuevo, pero éso ya es otra historia..

 

GUNS N´ROSES – USE YOUR ILLUSION I

El disco que sigue al éxito interplanetario de Appetite for destruction era esperado para ver que camino tomaban las complicadas mentes de Axl, Slash y el resto de la cuadrilla después de la exhibición hard rock en su obra cumbre y con la aureola de reyes de los 90 a su alrededor.

Pues facturaron un trabajo que les alojó durante más de 100 semanas en todo lo alto de los charts y que hizo posible ganar un Grammy y multitud de discos de platino y diamantes por todo el planeta, todo ello gracias a obras maestras como November rain, Don´t cry o la enorme versión del clásico de McCartney, Live and Let Die. El disco incluía referencias personales del propio Axl como el tema Coma, basado en la experiencia de haber ingerido un bote de pastillas tras una discusión y supuso un cambio en la variedad de estilos del grupo, ya que además de su característico hard rock la banda juguetea con la música clásica, el punk o el rock and roll más clásico. Varias de las canciones fueron concebidas en los comienzos de la banda pero por diferentes motivos no se editaron hasta Use your illusion I, novedad que hay que añadir a que por primera vez el grupo se deja llevar en composiciones de larga duración como la preciosa November Rain o la antes citada Coma.  A continuación la banda saca Use your illusion ll, mucho más oscuro y reflexivo que el anterior y bautizado como el trabajo más deprimente del grupo pero que tuvo un éxito enorme como el antes citado y donde sobresalen piezas míticas como You could be mine, Civil war o la versión del temazo de Bob Dylan, Knockin´on heaven´s door, con efectos y sobrevoces nunca antes explorados por la banda. Las giras posteriores demuestran la increíble popularidad de Guns N´Roses en cualquier rincón del planeta y el espléndido espéctaculo que eran en vivo, con el irascible Axl como gran maestro de ceremonias.

 

GREEN DAY – DOOKIE

1994 fue otro de los años clave en el panorama musical, ya que varias de las obras que cambiaron el status quo de la industria vieron la luz en esa fecha y el tercer álbum de Green Day fue uno de los más destacados, sobretodo por la irrupción de un nuevo punk, con menos aristas y más comercial y digerible que el original de décadas anteriores. El exitaxo de Dookie y en particular de su célebre single Basket case abrió las puertas a un sonido adormecido y que con sus toques pop enganchó a multitud de jóvenes cautivados por la frescura de otras piezas como Welcome to the paradise, She o Longview. Ganador del Grammy al mejor disco de música alternativa en 1995, la crítica le dio un tratamiento dispar ya que algunos medios entendían que se habían vendido al pasar a un gran sello discográfico y que eran más pop que punk, y a la inversa grandes medios como New York Times ponían a la banda de Billie Joe Armstrong como un soplo de aire fresco, divertidos y rápidos.

Green Day tuvo tratamiento de estrella en Lollapalooza y tras girar por USA y Canadá por fin dan el salto a Europa, no sin antes escandalizar a una buena parte del stablishment al cantar desnudo Billie la canción She en un acto benéfico en el Madison Square Garden.

 

OFFSPRING – SMASH

Editado también en 1994, la ola buena del punk pop hace posible que el grupo tenga reconocimiento popular y de ventas tras años de producir discos más cercanos al punk pop e incluso al ska, elemento diferenciador de sus colegas Green Day. La crítica fue amable con ellos desde el primer momento y temas con más matices y variados como Come out and play, Gotta get away y sobretodo su popular himno Self Esteem irrumpieron con fuerza en la listas de medio mundo, con la diferencia de que vendieron cuatro millones de copias desde un sello pequeño e independiente y siendo seguramente el disco que más se ha vendido en la historia creado por una compañía pequeña.

Nofx, Pennywise o Rancid son otros de los grupos que tuvieron cierto éxito partiendo del denominado Punk Pop aunque cada uno de ellos de características diferentes, aunque siempre deudores de una forma u otra de los históricos Bad religion, los “padres” de todo este movimiento.

NIN – THE DOWNWARD SPIRAL

Umm, hablamos ya de palabras mayores, queridos madafackas!! Ni más ni menos que la obra cumbre del genio Míster Trent Reznor y su poderosa banda Nine Inch Nails, una amalgama de sonidos maquinales, guitarras y teclados sonando de forma primorosa y con unas letras hipnóticas donde el gran Reznor saca a pasear sus demonios más recurrentes, desde Dios hasta el hastío o la pesadilla de las adicciones. El disco funciona como una unidad que te martillea de forma gradual ya desde su inicio instrumental, pasando por maravillas sonoras como March of the pigs, Closer, Piggy, Mr self destruct o la bellísima declaración de intenciones que el maestro Johnny Cash elevó a los altares de la música con su fantástica cover, la divina e incomensurable Hurt.

Pocos grupos tan complejos suenan tan increíblemente bien en directo como la banda del maestro Reznor, una delicatessen solo a la altura de los elegidos y que junto con Ministry y otros grupos menos conocidos han puesto al rock industrial en referente de muchas bandas actuales que teniendo como espejo a ellos y al primer Marilyn Manson triunfan ahora con gran aceptación popular, verdad Rammstein y Ghost???

 

MARILYN MANSON – ANTICHRIST SUPERSTAR 

A pesar de que el Reverendo Manson y su tropa se dan a conocer al igual que The Downward Spiral en 1994 no es hasta su espectacular disco de 1996 cuando suponen un auténtico estallido en la América más cazurra y de doble moral, que por fin vuelve a tener alguien al que echar las culpas de todo a imagen y semejanza de los tiempos de Elvis o la caza de brujas. Basado en un personaje provocador y andrógino, Manson atiza a la moral bienpensante yankee con un disco cargado de simbolismos y críticas a la eterna hipocresía a la hora de hablar de sexo o violencia de buena parte de los States, todo ello comprimido en un rock con toques eléctronicos que fue modelado a la perfección desde la sombra por el gurú Reznor, pieza clave en el paso adelante musical de Manson respecto a anteriores trabajos.

Maravillas como Beautiful people, Torniquet, Man that you fear o Mister Superstar se convirtieron en la banda sonora de miles de fans que abarrotaban las actuaciones de la banda con pleitesía casi reverencial, a pesar de los múltiples intentos de cancelación que sufrieron por amenazas de varias asociaciones cristianas y autoridades locales de la América profunda que denegaban permisos necesarios para realizar allí sus shows.

El siguiente trabajo de Marilyn fue un irregular Mechanical animals, con algunos buenos pasajes y más orientado a los sonidos y estética glam que aunque tuvo buena aceptación quedó muy lejos de sus maravillas anteriores… y lo que hizo después ya no digamos…

 

DEPECHE MODE – VIOLATOR

Mientras todos esos movimientos sucedían en USA uno de los emblemas de la música electrónica del Reino Unido daba un paso adelante en sus registros y facturaba un álbum con más amplitud de miras, logrando un éxito atronador y pasando al primer plano musical como uno de los grupos más interesantes con diferencia. Violator sale en 1990 y supone el nexo de unión del Synth pop o electrónico de los 80 con los nuevos sonidos de los 90, adquiriendo por primera vez en Depeche  Mode las guitarras un papel importante, sin olvidar obviamente sus raíces con especial preponderancia en teclados y sintetizadores muy de moda en la ya finalizada época. Pelotazos enormes como Personal Jesus, su tema más rockero según los medios, o la preciosa Enjoy the silence colapsan los charts de medio mundo y desatan la locura por los ingleses y en especial su carismático líder David Gahan, a pesar de que las composiciones fueron creadas casi en su totalidad por Martin Gore, teclista y guitarrista de la banda.

Policy of Truth y World in my eyes completan los potentes singles del álbum, famoso por su portada en forma de rosa cortada, como metáfora de la violación que sufriría el oyente al escuchar los nuevos temas. Como curiosidad cabe destacar que el popular vídeo de Enjoy the silence fue grabado en el desierto de Almería y muestra a un Dave Gahan que vaga solo por las montañas con un trono, posiblemente el que después del exitazo que tendrá Violator les llevará al Olimpo de la popularidad que antes compartían con otros tótems del mundillo british como The Cure o Simple Minds.

 

OASIS – DEFINITELY MAYBE

Tras el duelo histórico y atemporal entre los dos gigantes británicos (Beatles y Stones, of course) el año 1994 depararía otra morbosa rivalidad entre los dos gallitos que despuntan en esa época en el panorama musical de UK, Oasis y Blur, aunque obviamente a años luz del talento y clase de los Fab Four y Sus Satánicas Majestades. Los hermanos Gallagher son los líderes y compositores de un grupo nacido en Manchester  y cuyos singles Supersonic y Shakermaker les hicieron visibles al gran público, aunque nada que ver con el trallazo posterior que significó la inclusión del histórico Live Forever en el top 10 británico y el pasaporte a la fama más transversal. 

Con un estilo bautizado como Brit Pop basado en buenas y armoniosas melodías dentro de unos sonidos ligeros y con toques pop-rock los insufribles hermanos poco a poco se convierten además en pasto de la prensa sensacionalista por sus continuas peleas y desplantes, manteniendo durante esos años una cruenta rivalidad entre ellos y con sus coetáneos Blur y Robbie Williams. A pesar de la tensión existente en la banda en 1995 facturan un gran disco llamado (Whats the story) Morning Glory, llegando a lo más alto de su creatividad con temazos míticos de la escena inglesa como son Wonderwall y Don´t Look Back In Anger y acaparando elogios por doquier y los puestos más altos de las listas, vendiendo 22 millones de copias y siendo el quinto disco más vendido en la historia de UK.

Champagne Supernova fue otro de los grandes temas del álbum, contando con la colaboración del mítico Paul Weller como guitarra solista y en los coros. Sí, todos sabemos que los bros Gallagher son unos estúpidos pedantes, pero…

 

BLUR – PARKLIFE

La Némesis de Oasis en el podio del denominado Brit Pop es indiscutiblemente Blur, londinenses que representaban la clase media y educada ante la chulería faltona de los Oasis. La rivalidad llegó a tal punto que llegaron a hacer coincidir la salida de un single en el mismo día para ver quien ganaba la batalla. A partir de ese suceso la rivalidad fue encarnizada y sus encontronazos verbales hacían las delicias de los tabloides ingleses, y más cuando salieron las cifras de venta y Blur fue el que ganó al vender 270 mil copias por 220 mil Oasis. Parklife encumbró a los londinenses sobretodo por la estelar Girls and Boys, además del single que da nombre al disco y con el que la banda liderada por el locuaz Damon Albarn miraba ya de tú a tú a los rivales de Manchester.

Por cierto, el single con el que derrotaron un año después a Oasis fue su ya clásico Country House, santo y seña del disco The Great Scape.

 

SUEDE – COMING UP

Sus inicios en Londres marcaban un grupo deudor de pasajes oscuros y más cercano al glam rock y al Bowie de Ziggy Stardust que al pop más convencional, detalle que hizo más sorprendente la publicación en 1996 de su aclamado Coming Up, lleno de canciones frescas y con un indudable toque pop en los temas abordados por el cantante Brett Anderson. El nuevo disco desató la locura en la siempre exagerada prensa de las Islas y les llevó al estrellato inmediato en USA, cautivados por esos ritmos atrevidos y cantados con el dramatismo a flor de piel por parte de su brillante frontman. Los temas principales nos llevan a lo más alto de las composiciones pop, teniendo como referencia absoluta a las dos píldoras excelentes que son Trash y Beautiful Ones, pequeñas obras de arte que junto a Lazy y Saturday Night redondean un trabajo redondo y de gran calidad.

Gracias a Coming up la popularidad de Suede se multiplica y venden más de millón y medio de discos, siendo indiscutiblemente el álbum que les hará permanecer por pleno derecho en las alturas de la música inglesa.

Y con éste último apunte llegamos al final, señorías… no están todos los que son (Jane´s addiction, Radiohead, Pantera, Beck, Elástica, Metallica, Supergrass, Faith No More y un largo etcétera) pero como dijo el gran Clint Eastwood las opiniones son como los culos, todos tenemos uno!!!

Guillermo Caridad

Loser catalano-galego de extrarradio. Influenciado por The Doors, NIN, los clásicos de Seattle y The Cult. Lo más destacado de mi currículum es que en un año fui a tres bodas en la tropical y querida Polonia. Menos Coelho y más Bukowski, joder!!!

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies